A Q&A with CSC member Jean-Philippe Bernier csc about his latest film Carolina Caroline.
The film draws on classic 1970s Americana and crime cinema while retaining a contemporary emotional perspective, creating a visually distinct road-movie atmosphere that feels both nostalgic and immediate.
One of the production’s most ambitious sequences was shot on a real moving train, a technically chaotic experience Bernier jokingly calls “a nightmare.” Despite the challenges of shifting light, constant movement and maintaining continuity on an active track, the sequence ultimately became one of the film’s defining moments due to how visceral and real it feels onscreen.
Bernier’s third collaboration with director Adam Rehmeier defines the film’s emotionally immersive visual style. Carolina Caroline evokes “an endless summer” nostalgia—reckless and fleeting—while blending the intimacy of a romance with the tension of a crime thriller. “The emotional core of the film is thinking the summer will go forever. But then it ends really fast. Really hard,” says Bernier.
What was the process behind creating the film’s “endless summer” visual language?
I always loved to play with the feeling when the present is stopped in time, but days feel like minutes. The endless summers always felt like the shortest at the end. For Carolina Caroline, we wanted the audience to feel a sense of safety, as if nothing could break them apart, while knowing deep down that the clock started ticking from the first scene.
The script already built this in, with the first and last scenes marking the end of their story. For these scenes we approached them in a contemporary way that felt raw and real. We used shaky handheld shots, a softer and colder color palette, 16mm film grain, and gate weave. We wanted the audience to visually feel the emotional shift on screen when transitioning to the starting point of their story in Texas.
The key element to create that feeling was all about rhythm. So much of our process was talking about the rhythm of the movie. Every shot was planned with the final edit in mind. Talking about sound, score and transitions. We dialed everything in to create that endless summer flow, the feeling of a new relationship where everything is slow but moves lightning fast. We mixed playful montage scenes that compress many events into small screen time with short moments filled with pauses where time stops. On top of that, I had Richie Trimble (aerial DP) and Josh Quiros (camera operator) go on the road to shoot as many aerial driving shots (night, day, sun and rain) as they could in one and a half days. These were the wild cards we gave to Justin Krohn (the editor) so he could fine-tune that endless summer rhythm even more with an amazing soundtrack he curated for the movie.
How does embracing imperfections make the story feel more authentic?
I wouldn’t say that it makes it feel more authentic, but it definitely helps make it feel real. We were making a story about two characters falling in love with each other and with really attractive actors. Embracing imperfections in lighting and lenses paired with real-life Middle American locations helped make the movie more relatable for the audience.
At the same time, I love how imperfect anamorphic lenses render the world in a different way than your naked eye sees it. That might sound contradictory to my first statement, but it’s that mix that makes it feel nostalgic. Like film and lo-fi digital photography, the imperfection of the format really helps to transform realism into something that almost feels like a memory.
We wanted to build a beautiful and colorful world for Carolina and Oliver to live in, but not a “pretty” and safe one if that makes sense. There is so much beauty and emotion in imperfections.
Illustrate the process behind shooting one of the film’s biggest sequences on a real-moving train.
In prep, we talked a lot about how we would shoot that sequence. Poor man’s process with a green screen and VFX, and “rich man’s process” with LED panels or on a real moving train. After scouting two different train museums in the area, we realized that the moving train was the most affordable option. One of the museums had a tour train that was running on a closed track. That meant we could do the three exterior scenes on the platform and the three interior scenes at the same location (on the same day). Our design for that sequence needed to show characters’ interactions from inside the train and on the platform outside at the same time in the same shot. It was really important to us, and that location was perfect for that.
Unfortunately, that location came with a lot of restrictions. We were not able to scout the train in motion prior to the shooting day. That itself was extremely risky, especially since the track was not a loop, making it impossible to do the reverse while coming back to the train station. The power and the space were limited on the train; my only option for lighting was LiteMates and Astera tubes.
The available sunlight was all over the place. We got tree coverage for a couple of minutes, then we crossed an open field with direct sun to go back to a dense patchy spot.
In the end, all these imperfections with the light, the weird unpredictable shadows, and the flares made that scene look so real and beautiful. Sometimes you need to embrace the chaos.
How did you balance romance and crime influences visually?
Carolina Caroline was always about Caroline and Oliver’s connection and chemistry. The crime side of the story was a big part of their journey, but we didn’t want to make it too serious at first. We tried to make it feel fun and safe so the audience would think nothing bad could happen until it did. We did use a classic 70s crime style of camera work, like long tracking zooms and compressed shots, but always with fun transitions and movement to make it less serious and dramatic.
That part of the design was really important to us. To make the audience feel the same way as our couple while doing the crimes. It’s all just fun and games.
There is a line in the movie that describes perfectly our visual approach: “How do you know if we’re good people pretending to be bad or bad ones pretending to be good?” It’s at that point in the movie that we flip the style around, and the movie starts to feel real, serious and mature.
This progression in style was, for me, a parallel to a passionate romantic relationship. From the first butterflies to the playful, silly date and foreplay, evolving into a serious relationship with responsibilities until you know the breakup is inevitable even if the love for each other is still there.
Le film puise dans l’esthétique de l’Amérique classique des années 1970 et du cinéma policier tout en conservant une perspective émotionnelle contemporaine, créant une atmosphère de road movie visuellement distinctive, à la fois nostalgique et immédiate.
L’une des séquences les plus ambitieuses de la production a été tournée à bord d’un véritable train en mouvement, une expérience techniquement chaotique que Bernier qualifie avec humour de « cauchemar ». Malgré les défis liés aux changements constants de lumière, aux mouvements incessants et au maintien de la continuité sur une voie ferrée active, la séquence est finalement devenue l’un des moments marquants du film grâce à son intensité et à son réalisme à l’écran.
Troisième collaboration de Bernier avec le réalisateur Adam Rehmeier, Carolina Caroline se distingue par un style visuel profondément immersif sur le plan émotionnel. Le film évoque la nostalgie d’un « été sans fin » — insouciant et éphémère — tout en fusionnant l’intimité d’une histoire d’amour avec la tension d’un thriller criminel. « Le cœur émotionnel du film, c’est de croire que l’été va durer pour toujours. Mais ensuite, il se termine très vite. Très brutalement », explique Bernier.
Quel a été le processus derrière la création du langage visuel de cet « été sans fin »?
J’ai toujours aimé jouer avec cette sensation où le présent semble figé dans le temps, mais où les journées passent comme des minutes. Les étés qui semblent durer éternellement sont souvent ceux qui, au final, paraissent les plus courts. Pour Carolina Caroline, nous voulions que le public ressente un sentiment de sécurité, comme si rien ne pouvait séparer nos personnages, tout en sachant, au fond, que le compte à rebours avait commencé dès la première scène.
Le scénario intégrait déjà cette idée, avec les premières et dernières scènes qui marquent la fin de leur histoire. Pour ces moments, nous avons adopté une approche contemporaine, brute et authentique. Nous avons utilisé des prises de vue caméra à l’épaule, une palette de couleurs plus douce et plus froide, le grain de la pellicule 16 mm ainsi que le « gate weave » (le mouvement d’instabilité de l’image propre à la pellicule). Nous voulions que le public ressente visuellement le changement émotionnel à l’écran lors du retour au point de départ de leur histoire au Texas.
L’élément clé pour créer cette sensation reposait entièrement sur le rythme. Une grande partie de notre processus consistait à discuter du rythme du film. Chaque plan était pensé en fonction du montage final : le son, la musique, les transitions. Nous avons peaufiné chaque détail pour créer ce flux d’été sans fin, cette impression d’une nouvelle relation où tout semble lent, mais où tout évolue à une vitesse fulgurante.
Nous avons mélangé des scènes de montage ludiques qui condensent plusieurs événements en peu de temps à de courts moments remplis de silences où le temps semble s’arrêter. En plus de cela, j’ai demandé à Richie Trimble (directeur photo aérien) et Josh Quiros (opérateur caméra) de partir sur la route afin de tourner autant de plans aériens de conduite que possible (de nuit, de jour, au soleil et sous la pluie) en une journée et demie. Ce sont ces éléments imprévisibles que nous avons confiés à Justin Krohn (monteur), afin qu’il puisse affiner encore davantage ce rythme d’été sans fin avec une incroyable bande sonore qu’il a sélectionnée pour le film.
Comment le fait d’accepter les imperfections contribue-t-il à rendre l’histoire plus authentique?
Je ne dirais pas que cela la rend plus authentique, mais cela aide certainement à la rendre plus réelle. Nous racontions l’histoire de deux personnages qui tombent amoureux l’un de l’autre, interprétés par des acteurs très charismatiques. Accepter les imperfections de l’éclairage et des objectifs, combiné à des décors réels du Midwest américain, a contribué à rendre le film plus accessible et plus proche du public.
En même temps, j’adore la façon dont les objectifs anamorphiques imparfaits transforment le monde d’une manière différente de ce que l’œil humain perçoit naturellement. Cela peut sembler contradictoire avec ma première remarque, mais c’est justement ce mélange qui crée cette sensation nostalgique. Comme avec la pellicule ou la photographie numérique lo-fi, les imperfections du format permettent de transformer le réalisme en quelque chose qui ressemble presque à un souvenir.
Nous voulions créer un monde magnifique et coloré dans lequel Carolina et Oliver puissent évoluer, mais pas un monde « joli » et sécuritaire, si cela fait sens. Il y a énormément de beauté et d’émotion dans les imperfections.
Pouvez-vous nous décrire le processus de tournage de l’une des plus grandes séquences du film, réalisée à bord d’un véritable train en mouvement?
Pendant la préparation, nous avons beaucoup discuté de la façon dont nous allions tourner cette séquence. Nous avons envisagé une approche « pauvre » avec un écran vert et des effets visuels, et une approche « riche » avec des panneaux LED ou un véritable train en mouvement. Après avoir visité deux musées ferroviaires dans la région, nous avons réalisé que le train en mouvement était finalement l’option la plus abordable.
L’un des musées possédait un train touristique circulant sur une voie fermée. Cela signifiait que nous pouvions tourner les trois scènes extérieures sur le quai ainsi que les trois scènes intérieures au même endroit, le même jour. Notre conception de la séquence exigeait de montrer les interactions entre les personnages à l’intérieur du train et sur le quai extérieur, parfois dans le même plan. C’était essentiel pour nous, et cet endroit était parfait pour y parvenir.
Malheureusement, ce lieu comportait aussi plusieurs contraintes. Nous n’avons pas pu repérer le train en mouvement avant le jour du tournage. C’était extrêmement risqué, surtout parce que la voie n’était pas circulaire, ce qui rendait impossible de refaire le trajet en sens inverse après le retour à la gare.
L’alimentation électrique et l’espace disponibles dans le train étaient limités; mes seules options d’éclairage étaient les LiteMates et les tubes Astera.
La lumière naturelle disponible était complètement imprévisible. Nous pouvions avoir quelques minutes d’ombre sous les arbres, puis traverser un champ ouvert en plein soleil avant de revenir dans une zone plus dense avec des ombres irrégulières.
Au final, toutes ces imperfections liées à la lumière, ces ombres étranges et imprévisibles, ainsi que les reflets parasites, ont donné à la scène une apparence incroyablement réelle et magnifique. Parfois, il faut simplement accepter le chaos.
Comment avez-vous équilibré les influences romantiques et criminelles sur le plan visuel?
Carolina Caroline a toujours été centré sur la connexion et la chimie entre Caroline et Oliver. L’aspect criminel de l’histoire représentait une grande partie de leur parcours, mais nous ne voulions pas le rendre trop sérieux au départ. Nous avons cherché à créer une sensation de plaisir et de sécurité afin que le public pense que rien de grave ne pouvait arriver… jusqu’au moment où cela arrive.
Nous avons effectivement utilisé certains codes classiques du cinéma criminel des années 1970, comme de longs travellings avec zooms et des plans compressés, mais toujours avec des transitions ludiques et du mouvement pour atténuer le côté dramatique et sérieux.
Cette partie de la conception était très importante pour nous : faire ressentir au public la même chose que notre couple lorsqu’ils commettent leurs crimes. Pour eux, ce n’est qu’un jeu.
Il y a une phrase dans le film qui décrit parfaitement notre approche visuelle : « Comment savoir si nous sommes de bonnes personnes qui prétendent être mauvaises, ou de mauvaises personnes qui prétendent être bonnes? » C’est à ce moment du film que nous faisons basculer le style, et que le film commence à devenir plus réaliste, plus sérieux et plus mature.
Pour moi, cette évolution stylistique faisait écho à une relation amoureuse passionnelle. Des premiers papillons aux rendez-vous ludiques et aux moments de séduction, puis vers une relation plus sérieuse avec ses responsabilités, jusqu’au moment où l’on sait que la rupture est inévitable, même si l’amour entre les deux personnes demeure.